Los días no son dorados, es sólo una imagen falsa para crear algo que interpretar y hacerlo con fuerza. Hay que alejarse de los cuervos y de los flacos lobos de las bahías, palabras que son un jugueteo formal que coquetean con la verdad que se agolpa aquí (señalo esto porque no lo quiero decir).
Es triste, lo sé, pero no hay manera de cambiarlo. La gente dirá “pero si era gentil, amable y divertido ¿cómo pudo suceder?” y no entienden que la amabilidad y el amor por la amistad están aparte de la verdad que se agolpa aquí (y señalo con mi mano porque no lo quiero ni susurrar).
La mañana de este día es más larga que las de costumbre, una casa, un conocido, un querido conocido son estampas que mucho tienen que ver conmigo pero muy poco con el océano que se agolpa y chilla, aquí mismo, aquí ( y lo señalo con mi puño, porque no hay más qué decir).
Dejar una carta sería como una despedida inútil, me quiero ir y no quiero decir adiós, ni mucho menos hasta pronto, porque lo que quiero me lo llevo conmigo y se desintegrará en mi memoria cuando la sangre se detenga aquí (y lo señalo con mi dedo, porque tiene que ser señalado pero no silbado).
Tiene que ser cerca de los tuyos, no quiero despedirme pero sí quiero estar con un ser querido, cerca, y me tengo que ir con señales, porque no quiero desplomarme sin ser secundado por el silencio, una explosión, sí, lo más cercano al big bang, porque lo siento aquí (y lo señalo con la pistola, ostentosa y mía, porque las cosas no pueden ser de otra manera, así y sin drama, lo que menos quiero es drama, basta con esta obra que se tocaba infinitamente dentro de mi pecho. Sólo basta con eso).
Es indiscutible que cuando las cosas se hacen con el corazón y talento, las cosas llegan a ser sublimes. Este es el caso de la joven banda Delphic. Estos jóvenes han picado piedra, sin embargo, su talento es lo que les ha abierto las puertas. Esta banda, esencialmente toca música Electrónica, pero no es cualquier tipo de música electrónica que se base en el pueril hecho de hacerla bailable y alucinante, sino que hay una pauta indie en su origen. Delphic es una de esas bandas que no pueden ensañarse en un simple género, son ingleses y tienen en su venas la necesidad de mezclar, codificar, partir, estirar, experimentar para darle relieve a lo que quieren presentar. Son ingleses.
Acolyte, su primer disco contiene 10 temas que nos llevan de la mano de lo electrónico pero mostrándonos que sus zapatos no son únicamente para bailar. Al principio nos parecerán que buscan profundizar, pero después nos parecerá que se sacuden y nos quieren llevar al dance y hasta el shoegazing (sí, malditos fans de la electro, váyanse al wikipedia y digan que ya lo sabían). Es así que tenemos un disco lleno de música electrónica, que a los que desconozcan este género, verán cielo despejado y lo aceptarán. No es una mamada a lo Dj Tiesto o Guetta , esto es electrónica del bueno, mezclado con alternativo. Dénle una checada.
La cosa fue complicada, ayer mencioné que venía y que había una confusión porque en la página de Muse decía que preventa a fans era el 15 y 16 de enero y en ticketmaster decía quie la preventa a clientes Banamex era el lunes 18 de enero y la venta a público general era el 20 de enero.
Pues ayer, haciendo uso de mi 90 % de inglés y el Google traductor (qué fue lo único que usé), no pude descifrar ese enigma. Medio entendí que tenías que Imprimir esa página que muestro en la figura
...E ir al punto de venta Ticketmaster más cercano y decir que el Password OCIXEM (MEXICO al revés) y tener su boleto. “Me jodí, en Campeche no hay tickermaster, sólo en Mérida. Pero pensé: “Coño, si Ticketmaster dice que la preventa es el lunes, Ticketmaster lo venderá el lunes”. Después de un par de horas de un “Y si…” en mi cabeza, me registré como Fan por si las moscas. Llegué al trabajo y a las 11 am abrí la página de MUSE y de Ticketmaster. Unos decían, “ya tengo mis boletos” y otros tantos preguntaban “cómo los conseguiste” les respondí,” pendejos, los están jodiendo, sólo lo puedes comprar físicamente si vas a un ticketmaster”. Por curiosidad abrí el enlace que me marcaba la página de MUSE y ¡me abrió la preventa! Y conseguí mis boletos. Así que este pendejo se le va al Concierto de MUSE. Putos! Chequen
Este es el primer sencillo de Devin Townsend Project, del señorón Devin Townsend, en donde hace duo con la gran Anneke Van Giersbergen, la exvocalista de The Gathering. La canción es Bend it Like Bender, y es una de las mejores del disco. Qué digo disco discazo.
El señor Cassiddy subió la nueva rola de Rammstein, aunque dejó un link, aquí les pongo el video para hacérselos más fácil, guevones. Es una merga el video, por eso quiero ser Rockstar para hacer videos porno en mis videos para MTV. “Contratamos unas putas y nos grabamos”, palabras inmortales del gran amigo Dajandra. Ya espero Chiapas con ansia.
Hoy se presentó el nuevo disco de Muse, The Resistance, apenas lo acabo de bajar y mis impresiones serían primarias. Suena muy bien, súper bien. Tiene un toque sinfónico. Bastante fino a mi parecer con mezclas interesante (como United States Of Eurasia(+ Collateral Damage) (el nombre es tomado de una obra de Orwellque contiene una parte árabe) y la belleza intacta y magistral de Exogenesis Symphony.
Sin embargo, es Uprising el primer sencillo que escuché y el que me fascinó (además fue el que se podía asegurar en el youtube, ya que la mayoría era Fake). Uprising tiene un tinte a Goldfrapp al inicio(suena muy similar a Strict Machine del disco Black Cherry), y hasta un poco de Personal Jesus de Depeche Mode. Se nota que el disco anterior Black Holes and revelations empieza a ejercer fuerza, ya que aquel indicio bailable que le dio la llave para poder cuajar Take a bow se vuelve a presentar con Uprising.
Exogénesis es una simfonía dividida en tres partes. Una belleza criptada. Se siente como si bailaras en el espacio, simplemente GENIAL(principalmente la última parte Exogenesis- Symphony Part 3 (Redemption), una vena salida de la tumba de Mozart). En sí, el disco tiene un poco más de música electrónica y menos de rock, sin embargo, eso no demerita el resultado del disco. Más adelante haré una reseña más amplia de The Resistance, denme chance de escucharlo completo y les digo. Chéquenlo conmigo por el Internet:
Hay que ver qué nos tiene preparado Muse para los MTVMusic Award este fin de semana. En entrevista con el baterista Dom Howard, dijo que podría ser posible que tocaran con una orquesta, aunque lo dudo ya que seguro tocan Uprising lo cual no necesita orquesta. Que si tocan una sinfonía de Exogenesis y nos lo perdemos, sería imperdonable. Hay que ver que nos preparan.
Debido a la muerte del último sobreviviente británico de la primera guerra mundial, Harry Patch, el sábado 25 de julio de este año, Radiohead lanzó una canción en memoria de este soldado. La canción está más enfocado a la irracionalización de la guerra y los mismo errores que se siguen cometiendo, tomando fragmentos de declaraciones de Patch. Thom York dijo “Escuché hace unos pocos años, una emocionante entrevista de él para el programa de Radio Today. La manera en queél habló de la guerra tuvo un efecto profundo en mí. Eso trajo la inspiración para una canción que nos puso a grabar apocas semanas antes de su muerte… Las cuerdas fueron arregladas por Jonny- Espero mucho que la canción haga justicia a su memoria como el último sobreviviente. Podría sermuy fácil para nuestra generación, olvidar el verdadero horror de la guerra… como Harry mismo dijo: Independientemente de los uniformes, todos fuimos víctimas.”
La canción es hermosa, verdaderamente hermosa. Las letras son sublimes y el arreglo es perfecto, cosa que demuestra que Jonny es un genio, mismo resultado que había probado para la banda sonora de There will be blood.
“"i am the only one that got through
the others died where ever they fell
it was an ambush
they came up from all sides
give your leaders each a gun and then let them fight it out themselves
i've seen devils coming up from the ground
i've seen hell upon this earth
the next will be chemical but they will never learn"
¿Qué ha pasado con Radiohead? Pues preparan su nuevo disco y parece que no tardará mucho en salir. Se nota que la presión era por parte de la disquera porque ahora se nota que la banda (principalmente Thom Yorke) están más relajados, haciendo lo que quieren como quieren.
Thom Yorke se presentó hace dos días en el Festival Latitude y tocó temas de su álbum como solista (“The Black Swam”, y “Harrowdown Hill” y la genial “Cymbal Rush”) y canciones “B´s” como las inigualable Big boots (no puedo creer que no esté en ningún álbum o sencillo) y “Follow me around”. Pero lo espectacular y la noticia es que presentó un nuevo tema que muy probablemente esté en el nuevo álbum, la canción se llama “The Present tense”.
Setlist del festival. Una hoja no más.
Un sello característico de la banda siempre ha sido de que presentan nuevos temas en cualquier parte, no importa si es un pequeño festival, un programa sin mayor difusión o un evento enorme. Presentan “fetos” o canciones bebés, y no siempre son las finales. “The present tense” es seguro que sonará muy diferente en el estudio (escúchese Big ideas o Nude, No surprises antes de Ok Computer, There There, Airpeggi, etc).
Además, el 15 de julio salió un disco de covers llamado Ciao Shining star: The Songs of Mark Mulcahy , y entre los artistas que estuvieron invitados se encontraban Michael Stipe y Thom Yorke. Thom Yorke canta “All fot The Best” canción de Miracle Legion´s. Aquí te lo ponemos. Por cierto, su hermano, Andy, ayuda con los fondos vocales:
El siguiente versus es un poco complejo y para pensarse (como si no lo fuera el anterior), bueno, a ver si seguimos este tipo de post.
Ahí les va la pregunta, léanla bien: ¿QUIÉN HA DEJADO MÁS HUELLLA O HA APORTADO MÁS A LA MÚSICA EN MÉXICO, ZURDOK o ZOÉ?
Zurdok
Con tan sólo tres discos, Zurdok se convirtió en todo un suceso musical en México. Y es que la banda regiomontana fue uno de los pilares de la música alternativa en México. No había nada similar a lo que se tocaba en México, tenía más tendencias europeas que lo hacían una propuesta agradable y una puerta a nuevos horizontes musicales. Fue, por su puesto, lo mejor de lo Indie que pudo tener México en ese entonces, y en este ahora.
Banda moreliana que consolida un sonido alternativo con tintes psicodélicas (más en sus inicios).
El desarrollo popular que ha tenido ha sido brutal, tanto así que han tendio dos discos de platino en sus últimos trabajos. Son de las últimas grandes bandas mexicanas. Estancados en un estilo Indie, Zoé siempre ha sido una promesa que aún falta por consolidarse.
Hoy me levanté y me fui a conseguir unos discos con el Sr. Internet y que me bajo Libertinaje y De la Cabeza con Bersuit Vergarabat. Les dejo este videito para enamorarlos, un clásico, Sr. Cobranza.
Extra points: Un pacto, gran canción que no hace mucho escuché gracias a la argentina. Y vaya que me movió desde mi trabajo. Esa amiga me lo pasó porque sabía cómo me sentía y pues, mejor se los dejo.
Enrique Bunbury es un poco raro. Raro su atuendo, rara su presunción. Y es que este cantautor español tiene talento, eso que ni qué, pero es de los que o lo entiendes y lo sigues, o lo odias y no le das la oportunidad.
Bunbury demostró tener talento cuando estaba en Héroes del Silencio, pero después de la separación, como a muchos otros, le vino la oportunidad difícil de demostrar su talento, o de irse al buró de los fracasados. Sin embargo, después de su disco Radical Sonora, su primer disco de solista, vino la imposición de su estilo y un crecimiento personal.
Radical Sonora es más un intento de desdoblarse a Bunbury el solista y no el ex Héroe del Silencio. Poco fallido ese disco. Sin embargo, vino Pequeño y pudo dar con la esencia de lo que era, un artista. De Pequeño se desprenden sencillos como “Infinito”, y “Viento a favor” que calaron en el gusto del público. Aquel disco está lleno de texturas y sensaciones de Cabaret, algo muy contrario a lo que logra Golfdrap con su Felt Mountain, digamos que el de Bunbury es más festivo y dramático, más teatral. Incluso sacó un disco especial llamado Pequeño Cabaret Ambulante, un disco grabado en la Ciudad de México. Además de tener un magnífico cover de “El jinete”, canción de José Alfredo Jiménez.
Con Pequeño, Bunbury se deshace de los tormentos del querer no ser, para poder demostrar su talento que es muy amplio y variado. Hay canciones con cortes rancheros, música del mediterráneo y hasta árabes. Es un disco no experimental, sino expositivo, se siente muy íntimo y variado.
Flamingos significó una extensión, más variada y popera. Si Pequeño fue íntimo, Flamingos se desprende de las entrañas, por concertar vivencias como la separación matrimonial. de Bunbury Es, a mi parecer, el mejor disco de Bunbury. “Contar contigo” es una gran canción aderezada de melancolía; una balada con letras con una fuerza, con rabia pero también con esperanza y serenidad “Que pueda contar contigo, como sabes que conmigo siempre” es un verso lanzado a su ex y a quien quiera tomarlo.
"Lady Blue" se convierte en la canción insignia de Bunbury. Para un solista, es necesario que cuente con canciones populares que siempre sean pedidas por el público, y que no tengan nada que ver con las que en su banda anterior, "Lady Blue" se convierte en esa canción que marcó la diferencia. Una canción en donde la letra y la lírica de las palabras son las que llevan la fuerza, incluso contienen un verso inolvidable “desde hoy/ no temas nada / no hace falta ya / todo se fue con el huracán”, y el inicio raro pero con un sentido más estético que significativo “hoy voy a empezar / hoy es el comienzo del final / el cocodrilo / astronauta soy en órbita lunar”. Bunbury se cree un poeta, y lo mejor de todo es que lo es. Detrás de esa presunción disfrazada encontramos la posibilidad de crear versos fuertes y simbólicos. Las letras de Bunbury están influenciadas por la corriente simbolista, a diferencia de su contrincante Cerati. Dos cantautores diferentes, dos estilos diferentes pero ambos genios.
Y ya entrando en comparaciones, los dos han tenido éxito como solistas y han tenido un crecimiento artístico,sin embargo, Bunbury lo tuvo más rápido y en más medida. Porque se siente un crecimiento a penas salido de Héroes del Silencio, en contraparte, Cerati sigue siendo Cerati de Soda Stereo, genial pero el mismo.
Después siguieron discos como El viaje a ninguna Parte, en donde explora más un sonido llano, en donde las letras están cargadas de vivencias y experiencias viajeras. Bunbury es viajero y lo reciente en su disco doble. Muy bueno el disco pero sin gran cosa qué rescatar.
Hellville de Luxe es un disco que se sacude un poco a los discos Pequeño y Flamingos. Vuelve a las guitarras eléctricas y le aporta una frescura a su camino musical. El hombre delgado que no flaqueará jamás se desprende como un gran sencillo, y la autobiografía sigue. El disco se convierte en un gran éxito y aunque no sea lo mejor de Bunbury, sí demuestra la honestidad que tiene para con la música. Esa es parte de la madurez de Enrique Bunbury.
En agosto de este año está previsto su nuevo álbum que llevará por título Las Consecuencias.
Cerramos la encuesta del versus, y los ganadores son Soda Stereo con 12 votos y Enrique Bunbury con 7. Entonces aquí van los especiales.
SODA STEREO
Me guardaré la obligada biografía, pues es lo más sencillo de buscar, y me remitiré mejor en los discos que marcaron a la banda. Si la historia y los astros son propicios, cada determinado momento (para el mundo es un pequeño guiño), alguna banda sale a flote a querer mostrar, con cierta despecho y de forma directa, sus más inquietas necesidades artísticas.
Así surgió Soda Stereo después de tanto comulgar entre las ganas. El primer sencillo que nos llegó a México es “Te hacen falta vitaminas” donde fue muy bien acogido, pero es con “Cuando pase el temblor” del disco “Nada personal” donde encontró la primer seña de que había algo en esa banda. Nada personal, el sencillo fue la confirmación. Significó casi un himno para esa época.
Nada Personal es un disco que bien define las líneas que la banda recorrería, que sería de la experimentación. Si bien, este disco aún contiene las vertientes pop rock, también concuerda la miscelánea de sonidos símiles de los ochentas, y la combinación sensacional de la música andina en “Cuando Pase el temblor” (pionera y padre de otras canciones populares como “ Lamento Boliviano” de los enanitos verdes), Ska “Si no fuera por…”, etc.
Así llegamos al tercer álbum de la banda, Signos, considerado por algunos el segundo mejor disco de la banda. De esta placa sobresalen "Misil en el placard", la memorable “Persiana Americana”, que se convirtió en suceso en México y toda Latinoamérica, "Prófugos", "Signos" y "Final Caja Negra".
Según Cerati, este es un álbum de los más profundos. A diferencia del mosaico sonoro del anterior, Signos empieza a cuajar y destilar su ente musical propio. "Prófugos" es una muestra de lo que vendría después. Las letras son más estéticas y Cerati empieza a conjugar la sonoridad de lo cantado con el ritmo de la canción, volviendo el sonido de la voz un ritmo más, más cadencioso, signo que se empezaba a mostrar en Inglaterra.
Sencillo:
En Doble vida, un sencillo fue lo que destacó y aderezó la carrera meteórica de Soda Stereo, la mítica “En la ciudad de la Furia”, un video largo (06:11) que se convirtió en el video ganador de América Latina en los premios MTV. La letra es de las más profundas de Soda, y el título es uno de los más hermosos jamás creados.
Con Canción Animal, Soda recibe los noventas, y también, las críticas positivas que catalogan este quinto álbum, como el mejor de la banda y de la historia del rock en Español. Asiento que es un gran disco con temas como "Canción animal", "Té para tres", "Un millón de años luz" y el segundo himno compuesto por Soda (el primero para los ochentas, este segundo para los noventas, exclusivo para los de habla hispana) "De música Ligera", sin embargo, creo intuir que la crítica va más encarrilada al hecho de que con esta placa la banda se consagra como una de las mejores del Rock en Español, y que este disco es un digno trabajo que muestra ese hecho. Las glorias idílicas, creo que vendrían más adelante.
Canción Animal presenta a la banda en un tono más rockerón. Más sólido, más un álbum completo y no muestras disueltas de grandes canciones. Cerati se consolida como un gran escritor de canciones y uno de los mejores guitarristas latinos. “Entre Caníbales” es una canción con momentos variables, aunque la mayoría son algo agitadas. Los momentos de pausa consiguen desembocar en un momento alto de sorpresa. Las guitarras se acentúan y logran enganchar al escucha, y deleitarlo, “desmenuzarlo” en un par de segundos. “Té para tres”, (una de mis favoritas) es una balada sencilla (una guitarra electroacústica y sonidos aderezados) y hermosa, que consuman el hecho de escuchar música sin pretensiones. Esta parte del disco (De música ligera-Hombre al agua-Entre caníbales-Té para tres) es el mejor viaje musical que se ha hecho en la música latina, recordando que la elección y el orden de las canciones, juegan un papel muy importante, ya que son los que marcan al escucha y lo llevan a un destino.
Dynamo es categorizado por los fans y críticos, como un disco experimental, pero no por una peculiaridad sonora, más bien, un experimento de la banda consigo misma. El mismo Cerati menciona que este disco es un paso a un ejercicio musical y que los fans, al igual que él, adoptan este, como un disco muy querido. A mi parecer, es un disco que daba pie al mejor álbum de la banda, y uno de los discos más ambiciosos de la música Latina: Sueño Stereo.
Después de tres años de descanso, en los que se especulaba el fin de la banda, sale a la realidad el disco Sueño Stereo, convirtiéndose en disco de platino a los pocos días de salido. Esta placa considera 4 secciones, cada una con un pico discordante del anterior pero con la misma delicia de la sosa acústica de la banda. Es en este disco donde se encuentran frases imborrables de Cerati. Frases más con un sentido sentencioso que demostrativo. Cerati ahonda más en la efectividad de las frases dentro de la canción que el mostrarse como un gran compositor: Era una piedra en el agua, seca por dentro (una frase que se nos hace muy familiar pero no registrada), “Te perseguiría hasta el sol…” y la bella “…es el efecto Dopler, cuando te alejas de mí”, y la inolvidable, “aún tengo al sol para besar tu sombra…” ( Romántica frase sin caer en lo empalagoso).
Destacar las canciones sería un acto “baladí” diría Borges, pero un repaso sería reconfortante: La orquesta seria y amarga de "Ella uso mi cabeza como un revólver", la alegría y llena de sensualidad "Zoom", la travesía positiva de "Paseando por Roma", la extrañamente bella “Ángel Eléctrico”, la consumación de la musa en “Planta”, convierten Sueño Stereo en una experiencia inolvidable. Pero hay una canción que se perfila en la perfección de la banda: Efecto Doppler.
Una canción raramente triste. El comienzo es una batería en tono de guerra. Al entrar los primero acordes la convierten más en una cabalgata sobre un campo abierto y nublado. La voz de Cerati canta lenta la letra y se aprecia cierta tristeza. Los violines resaltan lo que oímos: oye el arco suena, lágrimas cada vez que lo tensas. El ritmo alcanza un nuevo escalón con el primer coro “Es el efecto doppler, cuando te alejas de mí”, y los violines nos vuelven a mostrar las lágrimas tensadas, después viene el llanto escurrido como caído de una catarata, con el segundo coro “Es el efecto doppler, cuando te alejas de mí” y la í se desnuda sacudiéndose ese sonido alegre con que lo escuchamos normalmente,para mostrarnos su eterna tristeza.
Después de la incomparable placa de Sueño Stereo, vino el unplugged.:Comfort y música para volar. Un disco agradable que transforma las canciones conocidas por Soda Stereo en un ritmo diferente, dándole matices diversos a canciones como un misil en mi placard, entre caníbales y“En la ciudad de la Furia” en donde Andrea Echeverrí canto a dueto.
